At first glance, Meier’s installation could be mistaken for the remnants of a previous event. The gallery is bare apart from a pile of ostensible Styrofoam cups and food takeout boxes covered in flowers and a single envelope, torn open and floating on the nearby wall. A closer look reveals that the single-use containers are actually ceramic casts of those objects, remade in a material common to formal tableware. And the floating envelope is not an envelope at all, but a paper sculpture mimicking so-called “security” envelopes, complete with a cutout address window and dense pattern that Meier traced by hand. Both objects purport to be something they are not and in doing so, draw connections between their materials and those things they are pretending to be. Meier notes the relationship between the dissimilar materials of ceramic and Styrofoam:
Ceramic is a material that does not erode over time and so is often used to date and understand past cultures. Though much more recent, Styrofoam is also a material that does not erode, but it is not something that we might consider every day as far as its impact over time.
Contrasting the permanence of ceramics (and Styrofoam) are the flowers, arranged in collaboration with Dallas-based ikebana artist and educator, Sue Smith. These will wilt and dry over the course of the three-week installation, introducing an element of time to the sculpture: “As an organic material, the wilting flowers perform the passing of time,” Meier says, “placing the work in the present while signaling a before and after.” Meier’s inclusion of flowers resonates with the work of Modernist sculptor Isamu Noguchi, who likewise created ceramic sculptures that he used as vessels for ikebana floral arrangements, while the form of Meier’s sculpture—material piled into a corner on the floor—recalls the work of Lynda Benglis or Claes Oldenburg.
The exhibition title derives from a quote by Albert Einstein, who, in an effort to console a grieving parent, wrote about interconnectedness and our need for compassion:
A human being is a part of the whole, called by us ‘Universe,’ a part limited in time and space. He experiences himself, his thoughts and feelings as something separated from the rest—a kind of optical delusion of his consciousness. This delusion is a kind of prison for us, restricting us to our personal desires and to affection for a few persons nearest to us. Our task must be to free ourselves from this prison by widening our circle of compassion to embrace all living creatures and the whole nature in its beauty. Nobody is able to achieve this completely, but the striving for such achievement is in itself a part of the liberation and a foundation for inner security.[1]
The COVID-19 pandemic has reminded us of the ever-greater need for compassion, as well as increased a desire for human connection. It has also revealed inherent problems within our society and the fragility of social safety nets. With this mindset, and homebound due to the pandemic, Meier began working on a series of paper sculptures after security envelopes—objects with implicit built-in protection. Intended to conceal sensitive information as it travels through the postal system, the security features of the envelopes are nothing more than patterned ink on otherwise flimsy pieces of paper. These works became a metaphor for the current situation, as Meier describes these sculptures that begin as drawings:
The security envelope drawings were a response to what has been happening [in the COVID-19 pandemic] and the amount of time people would be spending at home—and I was spending at home—thinking about ideas of safety. I think the situation has also exposed a lot of things that we, for a long time, have ignored or haven’t really given the attention that is needed. For me, another aspect of it is recognizing the importance of patience as a prerequisite for understanding and what that can do and recognizing our individual responsibility and contribution to what it takes to live in a safe and healthy community.
Juxtaposing nature and culture, ephemerality and permanence, Meier’s sculptural facsimiles of mundane objects encourage viewers to take a closer look and see the humanity in all of their slight imperfections.
Shelby David Meier on On A Part of the Whole.
Shelby David Meier on similarities in his sculptures.
Shelby David Meier on the impact of COVID 19.
About Shelby David Meier
Shelby David Meier grew up in Littleton, Colorado and has lived in Dallas/Fort Worth for the past ten years. While completing his BFA at Texas Christian University in 2011 he joined the artist collective HOMECOMING! Committee, a multi-year endeavor that involved many collaborative projects hosted by the Dallas Museum of Art, the Modern Art Museum of Fort Worth, the Texas Biennial and many other galleries and institutions. Meier furthered his individual practice as a member of the artist-run gallery 500X in Dallas and later earned an MFA from the Meadows School of the Arts at Southern Methodist University. He has given talks, performed, and shown his work extensively in alternative spaces and galleries throughout the Dallas-Fort Worth area. Most recently, Meier exhibited work in the 2020 SPRING BREAK Art Show in New York City. He lives and works in Dallas.
About Sue Smith
Sue Smith holds a 1st degree Somu teaching certificate in the Sogetsu School of Ikebana. She currently teaches classes in her home in University Park. Before the COVID-19 pandemic, she also taught a continuing education course, “Introduction to Ikebana,” at Brookhaven College.
Smith’s interest in ikebana began while her husband was in the Navy in 1976, when she took a course for officers’ wives in Portsmouth, Virginia. She began her serious study of ikebana here in Dallas in 1986 and received her 1st teaching certificate in 1993 and began teaching in 2002. Smith has held various board positions in the two ikebana organizations locally and has served as president of both groups. She demonstrates and exhibits in the Dallas-Fort Worth area throughout the year. Smith has exhibited at the TAO show at the Irving Arts Center, Dallas Arboretum, Trammel Crow Asian Art Museum, Dallas Museum of Art, Eisenman Center in Richardson, Fort Worth Japanese Garden Festivals, Downtown Dallas Library, The Jaycee Art Center in Irving, and at many local garden clubs.
La instalación Nasher Public de Shelby David Meier, A Part of the Whole, invita a los espectadores a considerar el papel que desempeñan los objetos cotidianos en nuestras vidas y a reflexionar acerca de nuestra relación con las cosas que dejamos atrás.
A primera vista, la instalación de Meier podría confundirse con los restos de un evento anterior. La galería está desnuda, aparte de un montón de vasos de espuma de poliestireno y cajas de comida para llevar cubiertas de flores y un único sobre, abierto y flotando en la pared cercana. Una mirada más atenta revela que los recipientes desechables son en realidad moldes de cerámica de esos objetos, rehechos en un material común a la vajilla formal. Y el sobre flotante no es un sobre en absoluto, sino una escultura de papel que imita los llamados sobres de "seguridad", con una ventana de dirección recortada y un denso patrón que Meier trazó a mano. Ambos objetos pretenden ser algo que no son y, al hacerlo, establecen conexiones entre sus materiales y las cosas que pretenden ser. Meier observa la relación entre los materiales disímiles de la cerámica y la espuma de poliestireno:
La cerámica es un material que no se erosiona con el paso del tiempo, por lo cual suele utilizarse para datar y comprender las culturas del pasado. Aunque es mucho más reciente, la espuma de poliestireno también es un material que no se erosiona, pero no es algo que podamos considerar todos los días en cuanto a su impacto en el tiempo.
En contraste con la permanencia de la cerámica (y la espuma de poliestireno) están las flores, dispuestas en colaboración con la educadora y artista de ikebana de Dallas, Sue Smith. Estas flores se marchitarán y secarán durante las tres semanas de la instalación, introduciendo un elemento temporal en la escultura: "Como material orgánico, las flores que se marchitan interpretan el paso del tiempo", dice Meier, "situando la obra en el presente mientras señalan un antes y un después". La inclusión de flores por parte de Meier recuerda a la obra del escultor modernista Isamu Noguchi, quien también creó esculturas de cerámica que utilizó como recipientes para arreglos florales ikebana, mientras que la forma de la escultura de Meier –material apilado en una esquina del suelo– recuerda a la obra de Lynda Benglis o Claes Oldenburg.
El título de la exposición procede de una cita de Albert Einstein, quien, en un esfuerzo por consolar a un padre afligido, escribió sobre la interconexión y nuestra necesidad de compasión:
Un ser humano es una parte del todo, llamado por nosotros "Universo", una parte limitada en el tiempo y el espacio. Se experimenta a sí mismo, sus pensamientos y sentimientos como algo separado del resto –una especie de ilusión óptica de su conciencia. Este engaño es una especie de prisión para nosotros, que nos restringe a nuestros deseos personales y al afecto por unas pocas personas más cercanas a nosotros. Nuestra tarea debe ser liberarnos de esta prisión ampliando nuestro círculo de compasión para abarcar a todas las criaturas vivas y a toda la naturaleza en su belleza. Nadie es capaz de conseguirlo por completo, pero el esfuerzo por conseguirlo es en sí mismo una parte de la liberación y una base para la seguridad interior[1
La pandemia de COVID-19 nos ha recordado la necesidad cada vez mayor de compasión, así como ha aumentado el deseo de conexión humana. También ha puesto de manifiesto los problemas inherentes a nuestra sociedad y la fragilidad de las redes de seguridad social. Con esta mentalidad, y confinado en casa debido a la pandemia, Meier comenzó a trabajar en una serie de esculturas de papel a modo de sobres de seguridad, objetos con protección incorporada implícita. Destinados a ocultar información sensible en su recorrido por el sistema postal, los elementos de seguridad de los sobres no son más que tinta estampada en trozos de papel por lo demás endebles. Estas obras se convirtieron en una metáfora de la situación actual, como describe Meier a estas esculturas que comienzan como dibujos:
Los dibujos de los sobres de seguridad fueron una respuesta a lo que ha estado ocurriendo [en la pandemia de COVID-19] y a la cantidad de tiempo que la gente pasaría en casa –y que yo pasaba en casa– pensando acerca de ideas de seguridad. Creo que la situación también ha dejado al descubierto muchas cosas que, durante mucho tiempo, hemos ignorado o a las que no hemos prestado la atención necesaria. Para mí, otro aspecto es reconocer la importancia de la paciencia como requisito previo para la comprensión y lo que puede hacer y reconocer nuestra responsabilidad individual y nuestra contribución a lo que se necesita para vivir en una comunidad segura y saludable.
Al contraponer la naturaleza y la cultura, lo efímero y lo permanente, los facsímiles escultóricos de Meier de objetos mundanos animan a los espectadores a observar más de cerca y ver a la humanidad en todas sus ligeras imperfecciones.
Acerca de Shelby David Meier
Shelby David Meier creció en Littleton, Colorado y ha vivido en Dallas/Fort Worth durante los últimos diez años. Mientras completaba su BFA en la Texas Christian University en 2011, se unió al colectivo de artistas HOMECOMING! Comité, un esfuerzo de varios años que implicó muchos proyectos de colaboración acogidos por el Museo de Arte de Dallas, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, la Bienal de Texas y muchas otras galerías e instituciones. Meier amplió su práctica individual como miembro de la galería de artistas 500X de Dallas y posteriormente obtuvo un máster en la Meadows School of the Arts de la Southern Methodist University. Ha dado charlas, ha actuado y ha expuesto su obra en espacios alternativos y galerías de toda el área de Dallas-Fort Worth. Recientemente, Meier expuso sus obras en la muestra de arte SPRING BREAK 2020 en Nueva York. Vive y trabaja en Dallas.
Acerca de Sue Smith
Sue Smith posee un certificado de enseñanza de Somu de primer grado en la Escuela Sogetsu de Ikebana. Actualmente imparte clases en su casa de University Park. Antes de la pandemia de COVID-19, también impartió un curso de educación continua, "Introducción al Ikebana", en el Brookhaven College.
El interés de Smith por el ikebana comenzó cuando su marido estaba en la Marina, en 1976, cuando asistió a un curso para esposas de oficiales en Portsmouth, Virginia. Comenzó a estudiar seriamente el ikebana aquí en Dallas en 1986 y recibió su primer certificado de enseñanza en 1993 y comenzó a enseñar en 2002. Smith ha ocupado varios puestos en la junta directiva de las dos organizaciones de ikebana locales y ha sido presidenta de ambos grupos. Hace demostraciones y exposiciones en la zona de Dallas/Fort Worth durante todo el año. Smith ha expuesto en la muestra TAO del Irving Arts Center, en el Dallas Arboretum, en el Trammel Crow Asian Art Museum, en el Dallas Museum of Art, en el Eisenman Center de Richardson, en los festivales de jardines japoneses de Fort Worth, en la biblioteca del centro de Dallas, en el Jaycee Art Center de Irving y en muchos clubes de jardinería locales.
[1] Walter Sullivan, “The Einstein Papers. A Many of Many Parts,” The New York Times, March 29, 1972, 1.