On Representing Black Bodies
To take up space. To represent Black bodies. To represent Black bodies taking up space. To highlight Black culture. To reminiscence on nostalgic memories. To reject beauty constructs which uphold white influences and ideas. Beaucoup Shive / Madam C.J. Walker ain’t got nothin’ on me is a mass of discarded, found and discounted hair that was either a part of a Black body or has been chemically made and modified to mimic the texture and curl pattern of Black hair. While the work exists as an oversize mass of hair, the piece is initially about the representation of black bodies—how we take up space and how we exist outside of our communities in navigating the predominantly white spaces.
On Beaucoup Shive / Madam C.J. Walker ain’t got nothin’ on me
The artwork Beaucoup Shive / Madam C.J. Walker ain’t got nothin’ on me was one big, well-needed push. This is my first soft sculpture, and it is also my largest sculpture. During my time in graduate school, the influences within my work were just making a shift into exploring Black feminist writings and theory about intersectionality, reclaiming the Black female body and Black womanhood. Now, I am infusing ideas around Afrofuturism along with reimagining the representation of Black womanhood and Black culture. Some developments within this culture for me was the jumping scale and the use of materials. So, for a while, I was only allowing myself to create smaller-scale works, especially after graduate school due to the cost of materials, lack of resources, tools, equipment, and facilities—you name it. But I was still wanting to create larger works, and to a certain extent, I was able to create some nice-sized works. But it still wasn’t to the capacity that I wanted to; I wanted to see if I could even reach those limits. So, when the Nasher Public opportunity came around, it was all green lights. This sculpture and the exploration of scale and space gave me the opportunity to see my work at a larger scale. These investigations in scale and space have allowed me to explore different methods of communicating with the audience no matter how small and intimate a work is or how massive and grandiose a work can be in a space. This artwork also pushed my thought process and approach to how I fabricated and executed the artwork. Being that it was my first sculpture at this large of a scale, it was hard to create the work within my studio space, because I couldn’t really see it. I only had enough space to really just make it. And so, the big reveal is when the sculpture is actually explored in the space. Conceptually, this sculpture pushed me to go outside of my comfort zone and use my body to fall into a rhythmic weaving process to execute the piece. I was pushed to also be more intentional about the use of my materials and how I used the materials. I had to take into consideration how I wanted the sculpture to be seen in the space. Lastly, I was also able to tap into my intentions about breaking the artwork down into just basic elements and principles of art—solely focusing on rhythm and repetition, texture, mass, scale, and space.
On the Pandemic Impact
COVID-19 was rough, and I think everybody pretty much agrees. But the pandemic revealed a lot to society, whether we wanted it to or not. If anything, the pandemic taught me to find more alternative avenues and to be even more resourceful than I already was to create the artwork. I think it was also an important time for artists to continue to make work, even when we didn’t know how we would do it. The reason being is because when do we get that much time to sit and think about our work or restructure or regroup and say, “Hey I want to go in a different direction, or let me pick up this material because I have never used it and it is the only thing I have access to.” For me, it was a chance to play, but also, I needed to rest. I still needed to grieve, but I still knew that I needed to create something. So, I had to do it. Maybe I didn’t create as much work that year, but it was still a time for exploration and experimentation. I might have not gotten that much in-depth, because I would have been in the comfort zone of being able to fire the ceramics in the space—where there are kilns, or find a metal shop that was open, or something like that. It was a big, big turn of events, but I think coming full circle it was worth the time spent to regroup. As far as all the social and political accolades, it was very taxing and very exhausting. The Black uprising was very taxing and very exhausting. It was just a lot. And for me, I had to sit, and of course, I talked with friends and colleagues and family about everything that was going on. We all said, “Well, you know, this is nothing new.” But I guess it's coming to a head now, and a veil is being dropped. Then the questions came up about how do we move forward with making this work. And for me, intention was always important, but it was even more important now, because (1) visibility and (2) representation and how we navigate a space from then on out and even moving forward. So, it’s the intention for me. It’s the moving forward. It’s the constantly representing Blackness and visibility of Black people within my work. It’s about being able to walk into a space. I have my family walk into a space. I have someone out of the Black community I never even met, walk into a space and feel represented or feel visible or feel safe. Intention. This experience has also made me more aware of the type of work I make, and it’s pushing me to bring up harder conversations that should be addressed more in the Black community. Moving forward, all I can do is to keep making—to forever continue to put intention into my work. And again, when dealing with Black bodies or any racial issues, it has to be intentional, because messages can easily get lost or misinterpreted, and that is what I don’t want to happen.
Sobre la representación de los Cuerpos Negros
Para ocupar espacio. Para representar cuerpos Negros. Para representar cuerpos Negros que ocupan espacio. Para resaltar la cultura Negra. A la reminiscencia en los recuerdos nostálgicos. Rechazar construcciones de belleza que sostienen influencias e ideas blancas. Beaucoup Shive / Madam C.J. Walker ain’t got nothin’ on me” es una masa de pelo descartado, encontrado y en descuento que, o fue parte de un cuerpo Negro, o ha sido hecho de forma química y modificado para asemejar la textura y el patrón de rizo del cabello Negro. Mientras que el trabajo existe como una masa de pelo de gran tamaño, la pieza se centra inicialmente en la representación de cuerpos negros, cómo tomamos el espacio y cómo existimos fuera de nuestras comunidades para navegar por los espacios predominantemente blancos.
Sobre Beaucoup Shive / Madam C.J. Walker ain’t got nothin’ on me
La obra Beaucoup Shive / Madam C.J. Walker ain’t got nothin’ on me fue un gran y muy necesario empuje. Esta es mi primera escultura suave, y es también mi escultura más grande. Durante mi tiempo en la escuela de posgrado, las influencias dentro de mi trabajo estaban haciendo un cambio en explorar los escritos feministas Negros y la teoría sobre la interseccionalidad, reclamando el cuerpo femenino Negro y la feminidad Negra. Ahora, estoy infundiendo ideas alrededor del Afrofuturismo junto con reimaginar la representación de la mujer Negra y la cultura Negra. Algunos desarrollos dentro de esta cultura para mí fueron la escala y el uso de materiales. Así que, por un tiempo, sólo me estaba permitiendo crear trabajos a menor escala, especialmente después de la escuela de posgrado, debido al costo de los materiales, la falta de recursos, herramientas, equipo e instalaciones— todo esto. Pero todavía quería crear obras más grandes, y hasta cierto punto, pude crear algunas obras de buen tamaño. Pero todavía no era de la capacidad que quería; quería ver si podía incluso alcanzar esos límites. Así que, cuando la oportunidad de Nasher Public llegó, todo era luz verde. Esta escultura y la exploración de escala y espacio me dieron la oportunidad de ver mi trabajo a mayor escala. Estas investigaciones en escala y espacio me han permitido explorar diferentes métodos de comunicación con la audiencia, no importa lo pequeño e íntimo que sea un trabajo o lo masiva y grandiosa que pueda ser una obra en un espacio. Esta obra de arte también empujó mi proceso de pensamiento y enfoque de cómo fabriqué y ejecuté la obra de arte. Siendo que era mi primera escultura a esta gran escala, era difícil crear el trabajo dentro de mi espacio de estudio, porque realmente no podía verlo. Sólo tenía suficiente espacio para hacerlo. Y así, la gran revelación es cuando la escultura es realmente explorada en el espacio. Conceptualmente, esta escultura me empujó a salir de mi zona de confort y utilizar mi cuerpo para caer en un proceso de tejido rítmico para ejecutar la pieza. Me empujó para ser más intencional sobre el uso de mis materiales y cómo utilicé los materiales. Tuve que tener en cuenta cómo quería que la escultura fuera vista en el espacio. Por último, también pude aprovechar mis intenciones de dividir la obra de arte en elementos y principios básicos del arte, centrándose únicamente en el ritmo y la repetición, la textura, la masa, la escala y el espacio.
Sobre el impacto de la pandemia
El COVID-19 ha sido rudo y creo que todo el mundo está bastante de acuerdo. Pero la pandemia reveló mucho a la sociedad, quisiéramos o no. Si algo, la pandemia me enseñó a encontrar más avenidas alternativas y a ser aún más ingeniosa de lo que ya era para crear el arte. Creo que también fue un momento importante para que los artistas siguieran trabajando, incluso cuando no sabíamos cómo lo haríamos. La razón es que cuando tenemos tanto tiempo para sentarnos y pensar en nuestro trabajo o reestructurar o reagruparnos y decir, “Pues quiero ir en una dirección diferente, o déjame recoger este material porque nunca lo he usado y es lo único a lo que tengo acceso”. Para mí, era una oportunidad de jugar, pero también, necesitaba descansar. Todavía necesitaba llorar, pero todavía sabía que necesitaba crear algo. Así que, tuve que hacerlo. Tal vez no creé tanto trabajo ese año, pero todavía era tiempo de exploración y experimentación. Podría no haber sido tan profundo, porque habría estado en la zona de confort de poder quemar cerámica en el espacio, donde hay hornos, o encontrar una tienda de metal que estaba abierta, o algo así. Fue un gran giro de los acontecimientos, pero creo que al llegar a un círculo completo mereció la pena el tiempo dedicado a reagruparse. En cuanto a todos los asuntos sociales y políticos, fueron muy angustiantes y agotadores. El levantamiento negro fue muy angustiante y muy agotador. Simplemente era mucho. Y para mí, tuve que sentarme, y por supuesto, hablé con amigos, colegas y familia sobre todo lo que estaba pasando. Todos dijimos: “Bueno, ya sabes, esto no es nada nuevo”. Pero supongo que está llegando a un punto de ebullición ahora, y se está soltado un velo. Luego surgieron preguntas sobre cómo avanzar en la realización de este trabajo. Y para mí, la intención siempre era importante, pero era aún más importante ahora, porque (1) visibilidad y (2) representación y cómo navegamos un espacio a partir de entonces hacia fuera e incluso hacia adelante. Así que, es la intención para mí. Es el avance. Es la constante representación del ser Negro y la visibilidad de la gente Negra dentro de mi trabajo. Se trata de poder entrar en un espacio. Hago que mi familia entre en un espacio. Hago que alguien fuera de la comunidad Negra, que nunca conocí, camine en un espacio y se sienta representado o visible, o seguro. Intención. Esta experiencia también me ha hecho más consciente del tipo de trabajo que hago, y me está empujando a entablar conversaciones más difíciles que deberían ser abordadas más en la comunidad Negra. En el futuro, todo lo que puedo hacer es seguir haciendo, continuar para siempre poniendo la intención en mi trabajo. Y de nuevo, cuando se trata de cuerpos Negros o de cualquier problema racial, tiene que ser intencional, porque los mensajes pueden perderse o malinterpretarse fácilmente, y eso es lo que no quiero que suceda.