The central piece Herself offers as a centerpiece a dress that Ridgway inked to run through a press at Flatbed Press in Austin: meant only to produce prints, the dress itself becomes a kind of artifact of Ridgway’s creative process. She has surrounded the dress with objects related to her life, her family and friends, and her ongoing interests. The image of a clock, for example, resembles one owned by her parents, while the inclusion of Alice’s Adventures in Wonderland, a beloved text of Ridgway’s, points to the source of the work’s title. Ridgway acknowledges that the dress’s presentation, surrounded by objects significant to her, suggests an element of the funerary; this theme is echoed in the burnt roses of The Uses of Sorrow, which concerns her father’s death some years before.
The artist’s work emerges not only from specific sentiments but also from a rich appreciation of poetry. Ridgway uses Frost in her work frequently, both referencing and physically including his words in the sculpture The leaves whisper on their branches (2010-21), which combines the title of Frost’s, “Sound of Leaves,” with Walt Whitman’s “Leaves of Grass.” Ridgway’s love of Frost, amongst other writers such as Harper Lee and Mary Oliver (whose poem “The Uses of Sorrow” inspired the title of Ridgway’s 2005-18 assemblage sculpture), is rooted in childhood memories of her mother’s passion for literature. Ridgway both references and physically includes literature in her sculptures by interweaving text in nests and using books as the stuffing of her pillows. In this way, she investigates how instrumental these works are to her identity as an artist, mother, daughter, and friend.
For Ridgway, aspects of the Nasher Public installation Herself also speak to the end of certain aspects of her life, which coincided with the pandemic: namely, the 2017 death of her partner, the artist and founder of Green Mountain Foundry, Harry Geffert, who worked with Ridgway on her meticulously cast sculptures. The past year has seen Ridgway complete the process of closing the foundry, selling the property, moving, and developing a new way of living and working. Elements of her work and life with Geffert abound in Herself, as does the sense, as Ridgway describes it, of “tumbling down into a difficult place,” like Alice, as suggested in the large drawing Fallen upon a corner of the Moon, featuring an image of the dress, inverted.
Linda Ridgway on her piece Herself.
Linda Ridgway on collages.
Linda Ridgway on appreciating kitchen tables.
In addition to these elements of personal significance, Ridgway’s Nasher Public installation also addresses situations familiar to many of us from the isolation of the pandemic:
I was recently reading an article on Hyperallergic.com by John Yau. It was a review of the artist Franklin Evans concerning his latest paintings. The opening statement caught my attention: ‘I believe it was John Cage who once told me, “When you start working, everybody is in your studio — the past, your friends, enemies, the art world, and above all your own ideas — all are there. But if you continue painting, they start leaving, one by one, and you are left completely alone. Then if you’re lucky even you leave.”’
This sculpture Herself is an assemblage of friends, family, poets, faith, and authors of first lines. I have brought all of these actors into my studio to find comfort from the self-isolation of this past pandemic year. When I photographed the piece, I realized I had brought a library of thoughts and the artist Robert Rauschenberg into my studio as well. Being a sculptor/printmaker, the arrival of Rauschenberg was not necessarily a surprise. As I was working on Herself, l felt lucky, for I had finally left.
About Linda Ridgway
Linda Ridgway (born 1947 in Jeffersonville, Indiana) creates poetic bronze sculptures that convey both autobiographical and cultural imagery. Although educated as a printmaker, Ridgway continues to experiment with the limits of various media to create work that remains intimate regardless of scale. Ridgway’s bronzes emerge from a two-dimensional template to become new spatial objects that elucidate the artist’s personal experiences. These works span the themes of femininity, tradition, and heritage while establishing their own permanence through the medium of bronze. Ridgway juxtaposes the delicacy of the textures of lace and crochet work with the monochromatic and industrial fortitude of metalwork. While some of her works emphasize a reverence for domesticity, Ridgway also uses the translation of knit pieces into bronze sculptures to underscore a disintegration of memory. Ridgway extracts the artisanship of crochet work to develop a history of herself as an artist in the enduring medium of bronze.
Ridgway received an MFA from Tulane University, and a BFA from the Louisville School of Art. She has participated in various solo and group exhibitions including Linda Ridgway: A Survey, Poetics of Form at the Glassell School of Art at the Museum of Fine Arts, Houston, Texas and the Dallas Museum of Art, Texas in 1997-98; and One Hundred Years: The Permanent Collection of the Modern Art Museum of Fort Worth at the Modern Art Museum of Fort Worth, Texas in 2002.
La atención de Linda Ridgway a los ritmos de la naturaleza y sus ecos en la poesía ha sustentado más de tres décadas de dedicación a la escultura, el dibujo y el grabado. Para su instalación, Nasher Public ha reunido cinco obras que forman una meditación sobre el tiempo, la memoria y el tacto, extraídas de sus experiencias durante los meses de la pandemia y sus consecuencias.
La pieza principal, Herself, ofrece como pieza central un vestido que Ridgway entintó para pasarlo por una prensa plana en Austin: pensado sólo para producir impresiones, el propio vestido se convierte en una especie de artefacto del proceso creativo de Ridgway. Ridgway ha rodeado el vestido con objetos relacionados con su vida, su familia y sus amigos, y sus constantes intereses. La imagen de un reloj, por ejemplo, se asemeja a uno de sus padres, mientras que la inclusión de Las Aventuras de Alicia en el País de las Maravillas, un texto muy querido por Ridgway, apunta al origen del título de la obra. Ridgway reconoce que la presentación del vestido, rodeado de objetos significativos para ella, sugiere un elemento funerario; este tema tiene su eco en las rosas quemadas de The Uses of Sorrow, que se refiere a la muerte de su padre unos años antes.
La obra de la artista surge no sólo de sentimientos concretos, sino también de una rica apreciación de la poesía. Ridgway utiliza a Frost en su obra con frecuencia, tanto haciendo referencia a sus palabras como incluyéndolas físicamente en la escultura The leaves whisper on their branches (2010-21), que combina el título de Frost, "Sound of Leaves", con "Leaves of Grass" de Walt Whitman. El amor de Ridgway por Frost, entre otros escritores como Harper Lee y Mary Oliver (cuyo poema "The Uses of Sorrow" inspiró el título de la escultura de ensamblaje de Ridgway de 2005-18), tiene sus raíces en los recuerdos de la infancia de la pasión de su madre por la literatura. Ridgway hace referencia a la literatura y la incluye físicamente en sus esculturas, entrelazando textos en nidos y utilizando libros como relleno de sus almohadas. De este modo, investiga el papel que tienen estas obras en su identidad como artista, madre, hija y amiga.
Para Ridgway, algunos aspectos de la instalación pública Herself del Nasher también hablan del final de ciertos aspectos de su vida, que coincidieron con la pandemia: concretamente, la muerte en 2017 de su socio, el artista y fundador de Green Mountain Foundry, Harry Geffert, que trabajó con Ridgway en sus esculturas meticulosamente fundidas. El año pasado, Ridgway completó el proceso de cierre de la fundición, la venta de la propiedad, la mudanza y el desarrollo de una nueva forma de vivir y trabajar. En Herself abundan los elementos de su trabajo y de su vida con Geffert, así como la sensación, tal y como la describe Ridgway, de "caer en un lugar difícil", como Alicia, tal y como sugiere el gran dibujo Fallen upon a corner of the Moon (Caída en un rincón de la Luna), que presenta una imagen del vestido invertida.
Además de estos elementos de significado personal, la instalación de Ridgway en el Nasher Public también aborda situaciones familiares para muchos de nosotros por el aislamiento de la pandemia:
Hace poco leí un artículo de John Yau en Hyperallergic.com. Era una reseña del artista Franklin Evans sobre sus últimas pinturas. La frase inicial me llamó la atención: "Creo que fue John Cage quien me dijo una vez: "Cuando empiezas a trabajar, todo el mundo está en tu estudio: el pasado, tus amigos, tus enemigos, el mundo del arte y, sobre todo, tus propias ideas. Pero si sigues pintando, empiezan a irse, uno a uno, y te quedas completamente solo. Entonces, si tienes suerte, hasta tú te vas.”’
Esta escultura Herself es un ensamblaje de amigos, familia, poetas, fe y autores de primeras líneas. He traído a todos estos actores a mi estudio para encontrar consuelo al auto-aislamiento de este último año pandémico. Cuando fotografié la pieza, me di cuenta de que también había traído a mi estudio una biblioteca de pensamientos y al artista Robert Rauschenberg. Siendo escultor/grabador, la llegada de Rauschenberg no fue necesariamente una sorpresa. Mientras trabajaba en Herself, me sentí afortunada, pues por fin me había ido.
Acerca de Linda Ridgway
Linda Ridgway (nacida en 1947 en Jeffersonville, Indiana) crea poéticas esculturas de bronce que transmiten imágenes autobiográficas y culturales. Aunque se formó como grabadora, Ridgway sigue experimentando con los límites de varios medios para crear obras que siguen siendo íntimas independientemente de la escala. Los bronces de Ridgway emergen de una plantilla bidimensional para convertirse en nuevos objetos espaciales que dilucidan las experiencias personales de la artista. Estas obras abarcan los temas de la feminidad, la tradición y la herencia, al tiempo que establecen su propia permanencia a través del medio del bronce. Ridgway yuxtapone la delicadeza de las texturas del encaje y el ganchillo con la fortaleza monocromática e industrial del trabajo del metal. Mientras que algunas de sus obras enfatizan una reverencia a la domesticidad, Ridgway también utiliza la traducción de piezas de punto en esculturas de bronce para subrayar una desintegración de la memoria. Ridgway extrae la artesanía del trabajo de ganchillo para desarrollar una historia de sí misma como artista en el duradero medio del bronce.
Ridgway obtuvo un máster en la Universidad de Tulane y una licenciatura en la Escuela de Arte de Louisville. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas, como Linda Ridgway: A Survey, Poetics of Form en la Glassell School of Art del Museo de Bellas Artes de Houston (Texas) y en el Museo de Arte de Dallas (Texas) en 1997-98; y One Hundred Years: The Permanent Collection of the Modern Art Museum of Fort Worth en el Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, en 2002.